24 films québécois à voir absolument pour la Saint-Jean!

Avec la Fête nationale du Québec du 24 juin et toutes les festivités qui entourent cet événement rassembleur, c’est le moment parfait pour ralentir un peu et profiter d’un bon film en famille afin de célébrer les talents d’ici. Le cinéma québécois regorge d’histoires marquantes, de personnages attachants et de productions qui réussissent à faire rire, réfléchir et émouvoir génération après génération.

Que vous soyez amateurs de comédies légères, de drames touchants, de films inspirants ou de récits plus éclatés, il existe une grande variété de choix pour satisfaire tous les goûts. À travers ces œuvres, on découvre non seulement des acteurs, réalisateurs et scénaristes de talent, mais aussi une façon bien à nous de raconter des histoires.

La culture québécoise possède une couleur unique, portée par des dialogues mémorables, des décors familiers et des scènes qui traversent le temps. Revoir certains grands classiques ou découvrir des nouveautés est aussi une belle façon de transmettre cet univers aux plus jeunes et de partager des moments rassembleurs.

Entre incontournables du cinéma d’ici et nouvelles productions qui méritent d’être découvertes, il y a de quoi organiser une soirée cinéma qui célèbre pleinement le Québec et sa richesse culturelle.

Plongé dans le Québec de 1989, ce film nous transporte dans un quartier défavorisé de la ville de Québec où François Brochu, surnommé le Boss, tente de maintenir à flot le gaz bar Champlain. Veuf depuis plusieurs années, cet homme au caractère fort dirige son commerce avec détermination et s’appuie au quotidien sur l’aide précieuse de son ami Gaston Savard ainsi que sur celle de ses fils, Réjean et Guy.

Cependant, derrière cette routine bien installée, le Boss commence à comprendre que rien ne restera figé éternellement. Ses fils prennent peu à peu leur propre chemin et il réalise qu’il ne pourra bientôt plus compter sur eux comme avant. Cette prise de conscience l’amène à remettre en question ses habitudes, son rapport à la famille et l’avenir de ce qui représente une grande partie de sa vie.

À travers ce récit humain, le film explore les liens familiaux, les changements de génération, les défis du quotidien et l’attachement aux racines. Le tout est porté par une distribution impressionnante réunissant Serge Thériault, Gilles Renaud, Sébastien Delorme, Gaston Lepage, Claude Legault et Réal Bossé. Une œuvre qui met en lumière une époque, un milieu et des personnages auxquels il est facile de s’attacher.

Le film reprend l’univers et les personnages de la série culte Les Bougon, c’est aussi ça la vie!, en prolongeant l’histoire de cette famille aussi chaotique qu’attachante. On y retrouve Paul Bougon, le père de famille, connu pour sa personnalité colorée et son franc-parler. Lassé d’un système qu’il juge trop corrompu et bureaucratique, il décide de prendre un virage inattendu en se lançant en politique.

Animé par le désir de provoquer un changement, il fonde le «Parti de l’Écœurement National» (PEN), un mouvement aux idées populistes qui attire rapidement l’attention du public. Pour l’épauler dans cette aventure improbable, il peut compter sur sa femme Rita ainsi que sur ses enfants, qui s’impliquent à leur manière dans ce projet hors du commun.

Porté par une distribution solide comprenant Rémy Girard, Louison Danis, Claude Laroche et Hélène Bourgeois Leclerc, le film mêle satire sociale, humour grinçant et critique du système, tout en gardant le ton irrévérencieux qui a fait le succès de la série originale.

À Sainte-Marie-La-Mauderne, petit village portuaire isolé, les habitants vivent une réalité difficile. Autrefois fiers pêcheurs, ils ont dû abandonner leur mode de vie traditionnel et se résoudre à dépendre des allocations gouvernementales pour survivre.

Lorsque le maire quitte les lieux pour la grande ville, un sentiment d’abandon s’installe parmi la population. C’est dans ce contexte que Germain, l’un des habitants, décide de sortir de l’inaction et de prendre les choses en main. Animé par le désir de redonner vie à sa communauté, il tente de redonner espoir aux villageois et de leur faire croire à un avenir meilleur.

Ce film touchant et attachant explore avec sensibilité les thèmes de la solidarité, de la dignité et de la résilience. À travers des personnages humains et profondément attachants, il réussit à toucher l’imaginaire tout en offrant un récit réconfortant, empreint d’humour et d’émotion.

Elvis Gratton est un personnage qui a profondément marqué l’imaginaire culturel québécois et qui demeure encore aujourd’hui une figure emblématique du cinéma satirique d’ici. Introduit dans la foulée du référendum de 1980, il est rapidement devenu un symbole caricatural permettant d’aborder, avec humour et provocation, certaines réalités sociales et politiques du Québec.

Au fil du temps, plusieurs suites ont été réalisées, contribuant à renforcer l’attachement du public envers ce personnage aussi ridicule qu’attachant. Les traits exagérés, vulgaires et volontairement caricaturaux de Bob Gratton permettent aux créateurs Pierre Falardeau et Julien Poulin de pousser la réflexion sur l’identité québécoise, tout en critiquant l’aliénation culturelle face à l’influence américaine.

Cette figure clownesque, à la fois drôle et dérangeante, sert ainsi de miroir déformant de la société, permettant de questionner les valeurs, les choix et les contradictions d’une époque.

Dans Mommy, on retrouve Anne Dorval dans le rôle d’une mère à la fois débordée, courageuse et profondément attachante, vivant seule avec son fils Steve, interprété par Antoine-Olivier Pilon. Le film propose un mélange intense de drame et de moments plus légers, parfois drôles, qui viennent alléger la tension émotionnelle de certaines scènes.

Tout juste expulsé du centre pour jeunes en difficulté qu’il fréquentait, Steve doit retourner vivre avec sa mère Diane dans une petite maison de banlieue. Leur quotidien devient rapidement chaotique, marqué par des conflits, mais aussi par des instants de grande tendresse et de complicité.

Le film explore ainsi avec intensité les limites de la résilience familiale et la force des liens mère-fils.

Violette et Florence ne comprennent plus vraiment ce qui leur arrive. Respectivement en congé de maternité et en arrêt de travail, les deux femmes traversent une période de grande fragilité, chacune à sa manière. L’une est à fleur de peau, submergée par ses émotions et une charge mentale difficile à gérer, tandis que l’autre ne ressent presque plus rien, comme engourdie face à son quotidien.

La deuxième version du film, sortie en 2025, a d’ailleurs reçu de nombreux applaudissements pour sa sensibilité et sa justesse. Porté par les performances marquantes de Karine Gonthier-Hyndman et Laurence Leboeuf, le récit touche par son réalisme et sa capacité à aborder des enjeux humains actuels avec finesse et authenticité.

Un film biographique profondément touchant retrace la vie de Mary Rose-Anna Bolduc,une figure marquante de la musique canadienne-française. Plus connue sous le nom de La Bolduc, elle s’est imposée comme l’une des premières grandes chanteuses populaires du Québec.

Dans les années 1930, au sommet de sa popularité, elle est rapidement devenue une véritable icône culturelle, reconnue comme la reine des chanteurs folkloriques canadiens.

Incarnée par Debbie Lynch-White, cette œuvre cinématographique met en lumière non seulement l’immense talent de La Bolduc, mais aussi sa résilience et son influence durable sur la culture québécoise et canadienne-française.

Le film L’Arracheuse de temps est une adaptation du conte éponyme de Fred Pellerin, qui plonge le spectateur dans l’univers singulier, poétique et empreint de mystère propre à l’auteur. À la fois mystérieux et réconfortant, le récit transporte le public dans une ambiance où la frontière entre réalité et imaginaire semble constamment s’effacer.

L’histoire se déroule en 1988, à Saint-Élie-de-Caxton, où un garçon de 11 ans s’inquiète profondément pour la santé de sa grand-mère, une figure importante de sa vie. Cette dernière, une vieille conteuse atteinte par la maladie, tente tant bien que mal de rassurer son petit-fils en lui affirmant que la Mort n’existe plus, brouillant ainsi les repères entre vérité, légende et magie.

La distribution réunit plusieurs grands noms du cinéma québécois, dont Marc Messier, Céline Bonnier, Pier-Luc Funk, Guillaume Cyr, Roy Dupuis, Marie-Ève Beauregard et Geneviève Schmidt, qui contribuent chacun à donner vie à cet univers riche et profondément humain.

Un jeune Québécois qui grandit dans les années 60 et 70 tente difficilement de concilier son homosexualité naissante avec les valeurs conservatrices très rigides de son père, tout en jonglant avec ses propres convictions catholiques. 

Le film met en lumière cette période charnière du Québec, où les mentalités évoluent lentement entre tradition et modernité. L’ambiance de l’époque est d’ailleurs magnifiquement soutenue par une trame sonore riche en chansons emblématiques de cette époque, qui vient renforcer l’immersion et l’émotion du récit.

Michel Côté et Marc-André Grondin, qui interprètent respectivement le père et le fils, livrent des performances particulièrement marquantes. Leur jeu d’acteur apporte une grande intensité au film, rendant les tensions familiales à la fois crédibles et profondément touchantes. Ensemble, ils contribuent à faire de cette œuvre un récit bouleversant sur la différence, l’amour et la quête de soi.

Attention, cœur sensible s’abstenir pour ce film. Plongez dans l’univers sombre et intense inspiré des romans d’horreur de Patrick Senécal, où la tension psychologique et le suspense sont omniprésents du début à la fin.

L’histoire suit un chirurgien profondément marqué par le deuil de sa fille, victime d’un crime atroce. Dévasté par la perte et incapable de trouver la paix, il élabore un plan complexe et méthodique pour se venger de l’homme responsable du meurtre de son enfant. Ce parcours sombre explore les limites de la douleur humaine, de la justice personnelle et de la descente aux enfers.

Porté par une interprétation intense de Claude Legault, ce père prêt à tout incarne avec justesse la rage, la souffrance et l’obsession d’un homme brisé. Le film entraîne le spectateur dans une atmosphère oppressante et troublante, où chaque décision a un poids lourd de conséquences.

Dans cette comédie adorée des Québécois, De père en flic met en vedette Michel Côté et Louis-José Houde dans des rôles aussi drôles que touchants, incarnant un duo père-fils au cœur d’une relation compliquée.

L’histoire suit deux policiers que tout oppose : un père expérimenté, rigide et autoritaire, et son fils, plus jeune, impulsif et peu enclin à suivre les règles familiales. Malgré leurs différends, ils doivent infiltrer une thérapie de groupe père-fils, un contexte déjà délicat en soi, afin de faire avancer une enquête importante.

Entre tensions, maladresses et moments de complicité inattendus, le film réussit à marier humour et émotion, tout en explorant les relations familiales sous un angle original et divertissant.

Dans Les hommes de ma mère, Léane Labrèche-Dor incarne Elsie, une jeune femme qui voit sa vie basculer à la suite des dernières volontés inattendues de sa mère. En effet, cette dernière lui demande une mission bien particulière: retrouver ses cinq ex-maris afin de disperser ses cendres dans cinq lieux différents, chacun ayant une signification importante.

Au fil de ce périple, cinq urnes, cinq destinations et cinq hommes deviennent les étapes d’un voyage autant physique qu’émotionnel. 

Dans ce film mettant notamment en vedette Marc-André Grondin, le récit nous tient en haleine du début à la fin grâce à une tension constante et une atmosphère sombre parfaitement maîtrisée. L’histoire plonge le spectateur dans l’univers impitoyable de la mafia, un monde régi par les règles du pouvoir, de la loyauté et de la trahison.

On y suit Vince, un jeune homme ambitieux qui cherche à se tailler une place dans cet environnement dangereux. Désireux de faire ses preuves, il tente à tout prix d’impressionner le parrain et de gagner sa confiance, quitte à s’impliquer dans des situations de plus en plus risquées.

Basé sur le roman du même nom, Le Plongeur nous plonge dans l’univers intense et exigeant des cuisines de restaurants, où le rythme effréné et la pression constante dictent le quotidien des employés.

L’histoire se déroule à Montréal, durant l’hiver 2002, et suit Stéphane, un jeune homme de 19 ans étudiant en graphisme. Passionné par le dessin et rêvant de devenir illustrateur, il se retrouve pourtant pris dans une spirale inquiétante: une dépendance aux jeux qui s’installe peu à peu dans sa vie et menace ses ambitions.

Interprété par Henri Picard, ce personnage profondément humain incarne les luttes intérieures d’un jeune adulte partagé entre ses rêves, ses dettes et la réalité difficile du monde qui l’entoure. Le film dresse ainsi un portrait réaliste et poignant d’une jeunesse en quête de repères.

Dans cette comédie qui promet de faire décrocher du quotidien, portée par Fabien Cloutier, Pier-Luc Funk et Anne-Élisabeth Bossé, le spectateur est invité dans un univers à la fois drôle, absurde et touchant.

On y découvre Lucien, un démon morose et misanthrope qui vit sur Terre depuis plus de 350 ans. Lassé du monde qui l’entoure, il a trouvé refuge dans une petite librairie où il mène une existence tranquille, loin du chaos des humains. Cependant, sa routine bien installée est complètement bouleversée par l’arrivée de Daniel, un jeune assistant humain enthousiaste, énergique et débordant d’optimisme.

Cette comédie mélange humour, fantastique et émotion, offrant une histoire originale où même un démon pourrait redécouvrir un peu d’humanité.

Patrick Huard et Jasmine Lemée partagent l’écran dans une histoire touchante et pleine de sensibilité. On y suit Laura, une jeune fille qui passe la majorité de son temps sur la route, vivant au rythme des tournées de son père Bill, un clown de profession

Malgré cette vie nomade remplie de spectacles et de voyages, Laura nourrit en secret un désir bien différent: celui d’une existence plus stable, plus calme et plus normale.

À travers cette relation père-fille empreinte de complicité et de tendresse, le film explore les défis de la vie artistique, les sacrifices qu’elle impose, mais aussi le désir profond d’appartenance et de stabilité. Une histoire émotive qui met en lumière les liens familiaux et les choix de vie parfois difficiles entre passion et normalité.

Ricardo Trogi nous replonge dans ses souvenirs d’enfance avec une histoire à la fois drôle, touchante et profondément humaine. Le film raconte le déménagement de sa famille alors qu’il n’a que 11 ans, un moment charnière qui bouleverse complètement son quotidien. 

Pour gagner sa place au sein d’un groupe populaire et pour impressionner la jolie Anne Tremblay, Ricardo s’enfonce peu à peu dans une série de mensonges.

Ces situations donnent lieu à plusieurs scènes cultes, portées avec brio par Jean-Carl Boucher, Sandrine Bisson et une distribution impressionnante qui donne vie à cet univers nostalgique.

Au fil du récit, on suit également l’évolution de Ricardo à travers différents moments clés de son adolescence et de sa vie adulte, dans une série de films qui poursuivent cette exploration autobiographique.

Un garçon de douze ans, animé par des rêves grandioses et une curiosité débordante, il souhaite également réaliser un projet important à ses yeux: assister au mythique concert de Jimi Hendrix à Woodstock en compagnie de son père, un moment qu’il imagine comme une aventure inoubliable.

Cependant, la vie prend un tournant inattendu et vient bouleverser ses plans ainsi que son quotidien. Ce qui devait être une expérience marquante devient le point de départ d’un cheminement beaucoup plus profond, où il devra apprendre à composer avec la perte, les changements et les émotions difficiles à comprendre à son jeune âge.

Porté par une distribution impressionnante réunissant notamment Antoine Bertrand, Antoine-Olivier Pilon, Guillaume Lemay-Thivierge et Anick Lemay, le film aborde avec sensibilité et délicatesse des thèmes universels tels que le deuil, la résilience et la capacité des liens familiaux à se transformer et se reconstruire autrement après une épreuve marquante.

Dans ce film de fiction à la fois humoristique et touchant, Patrick Huard incarne un homme de 42 ans au cœur jeune et à la vie plutôt désorganisée, qui peine à assumer pleinement ses responsabilités d’adulte. Sa routine bascule complètement lorsqu’il découvre une révélation pour le moins surprenante: il serait le géniteur anonyme de 533 enfants, dont 142 souhaitent désormais le rencontrer.

Cette situation improbable trouve son origine entre 1988 et 1990, période durant laquelle David, sous le pseudonyme de «Starbuck», a effectué de nombreux dons de sperme. À l’époque, il avait ainsi réussi à amasser plus de 24 000 dollars, sans imaginer les conséquences que ce geste aurait sur son avenir.

Les Boys a véritablement marqué la culture populaire québécoise et demeure encore aujourd’hui une œuvre culte adorée du public. Tellement populaire, la franchise a donné naissance à plusieurs suites ainsi qu’à une série télévisée, preuve que les spectateurs en redemandaient encore et toujours.

On y suit Stan, propriétaire d’une brasserie, qui devient entraîneur d’une équipe de hockey amateur appelée Les Boys. L’histoire est également reconnue pour avoir donné naissance à de nombreuses répliques devenues emblématiques au Québec.

Portée par une distribution impressionnante, la série de films réunit notamment Marc Messier, Rémy Girard, Patrick Huard, Serge Thériault, Michel Barrette, Paul Houde, Luc Guérin, Pierre Lebeau, Yvan Ponton et Michel Charette. Chacun des acteurs contribue à créer un univers authentique, chaleureux et profondément humain.

Entre humour, esprit d’équipe et moments d’émotion, Les Boys reste une œuvre marquante qui a su rassembler des générations de spectateurs autour d’une même passion: le hockey et l’amitié.

Dédé, à travers les brumes est un film dramatique biographique québécois réalisé par Jean-Philippe Duval et sorti en salle le 13 mars 2009. Cette œuvre cinématographique plonge le spectateur dans l’univers complexe et bouleversant du chanteur André Fortin, figure emblématique du groupe Les Colocs, qui a marqué profondément la scène musicale québécoise.

Le film retrace le parcours de cet artiste charismatique, interprété par Sébastien Ricard, en explorant autant ses succès que ses luttes personnelles. On y découvre un homme habité par une grande sensibilité, une créativité débordante, mais également par des questionnements intérieurs et des périodes plus sombres.

Depuis plus de 25 ans, Marc Côté, aumônier de rue et curé de paroisse, consacre sa vie aux plus démunis. Habitué à vivre au contact des pauvres et des personnes itinérantes, il a toujours fait de son église un refuge ouvert à tous. Cependant, épuisé par les responsabilités et les difficultés financières qui s’accumulent, il doit se rendre à l’évidence: il devra éventuellement le fermer.

Au moment où tout semble s’effondrer, Marc hérite d’une maison dans le Bas-du-Fleuve. Face à cette opportunité inattendue, il prend une décision aussi humaine qu’inhabituelle: emmener avec lui un groupe de sans-abri. Ce séjour devient alors une parenthèse de vie, loin du chaos de la ville, où chacun tente de retrouver un peu de paix et de dignité.

Porté par une distribution remarquable comprenant Patrice Robitaille, Guy Nadon, Élise Guilbault, Martin Dubreuil, Pierre Verville et Josée Deschênes, le film explore avec sensibilité les thèmes de la solidarité, de l’entraide et de la résilience humaine.

Michel Côté incarne quatre personnages distincts dans cette comédie culte qui explore avec humour et finesse différentes tactiques de séduction. Grâce à son talent remarquable, il parvient à donner vie à des personnalités complètement différentes, chacune ayant ses propres maladresses, ambitions et façons bien particulières d’aborder les relations amoureuses. 

Cruising Bar 2 a d’ailleurs connu un véritable succès auprès du public québécois, confirmant l’engouement pour cet univers aussi drôle que déjanté. 

Entre quiproquos, tentatives de séduction ratées et moments de pure comédie, cette suite réussit à divertir tout en conservant le ton léger et irrévérencieux qui a fait la réputation de la franchise. Une œuvre qui continue de marquer l’imaginaire populaire grâce à son humour unique et à la performance inoubliable de Michel Côté.

Dans ce film, les femmes de Montréal et de Waterloo doivent faire preuve de détermination et de solidarité afin de défendre leur temps de glace dans leur aréna habituel. Leur quotidien sportif est bouleversé lorsqu’une équipe masculine de hockey semi-professionnelle revendique l’utilisation de l’infrastructure, menaçant directement la place et la reconnaissance de leur communauté féminine déjà bien établie.

Ce conflit sportif devient rapidement bien plus qu’une simple question d’horaire: il s’agit d’un véritable enjeu d’égalité, de respect et de survie pour leur équipe et leur passion commune.

Gabrielle Côté occupe un rôle important dans le film, en plus d’en être la scénariste, apportant une touche authentique et engagée à l’histoire. La distribution réunit également des actrices reconnues telles que France Castel et Anne-Élisabeth Bossé, qui contribuent à donner de la profondeur, de l’émotion et de l’humour à ce récit sportif inspirant.