L’histoire de la mode ne se limite pas aux robes conservées, aux chaussures anciennes ou aux vitrines remplies de dentelles fragiles. Une grande partie de cette histoire se cache à la vue de tous, au cœur même de tableaux célèbres. Les artistes ont immortalisé les vêtements que les gens portaient lorsqu’ils voulaient paraître riches, respectables, à la mode, puissants, rebelles ou simplement élégants. Une manche, un bijou, un chapeau ou un décolleté peuvent nous en dire long sur le monde dans lequel vivait une personne, surtout à une époque où l’habillement était étroitement lié à la classe sociale et à la réputation. Ces 20 tableaux montrent comment la mode a façonné la beauté, le statut social et l’image de soi à travers les différentes époques.
L'histoire de la mode ne se limite pas aux robes conservées, aux chaussures anciennes ou aux vitrines remplies de dentelles fragiles. Une grande partie de cette histoire se cache à la vue de tous, au cœur même de tableaux célèbres. Les artistes ont immortalisé les vêtements que les gens portaient lorsqu’ils voulaient paraître riches, respectables, à la mode, puissants, rebelles ou simplement élégants. Une manche, un bijou, un chapeau ou un décolleté peuvent nous en dire long sur le monde dans lequel vivait une personne, surtout à une époque où l’habillement était étroitement lié à la classe sociale et à la réputation. Ces 20 tableaux montrent comment la mode a façonné la beauté, le statut social et l’image de soi à travers les différentes époques.
1. Le Portrait des Arnolfini, de Jan van Eyck
La robe en laine verte de la femme, doublée de fourrure et aux plis amples, fait de ce portrait du XVe siècle un témoignage exceptionnel sur la mode de l'époque. Sa tenue, tout comme celle de l'homme, avec son costume sombre bordé de fourrure et son grand chapeau, témoigne de la richesse d'une famille de marchands de Bruges.
2. Portrait de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni par Domenico Ghirlandaio
La pose de profil de Giovanna, ses bijoux, son corsage ajusté et sa coiffure soigneusement arrangée reflètent la beauté de l'élite florentine de la fin du XVe siècle. Rien dans son apparence ne semble fortuit, car les vêtements contribuaient à refléter le statut social de la famille, le mariage, la vertu et le raffinement.
3. Portrait d'Éléonore de Tolède avec son fils Giovanni, par Bronzino
La robe en brocart de soie d’Eleonora di Toledo est la pièce maîtresse de ce tableau, avec ses motifs somptueux, sa coupe raffinée et son luxe indéniable. En tant que duchesse de Florence, elle se servait de la mode pour afficher la puissance, la richesse et l’autorité de sa dynastie aux côtés de son jeune fils.
4. La reine Élisabeth Ire, Le portrait de Ditchley, par Marcus Gheeraerts le Jeune
La robe blanche d’Élisabeth Ire, ses perles, ses bijoux, ses gants, son éventail, sa jupe évasée et sa fraise ouvragée font de ses vêtements un véritable outil de mise en scène royale. Sa tenue reflète la mode de la cour de la fin du XVIe siècle dans ce qu’elle a de plus extrême, où chaque détail contribuait à affirmer le pouvoir, la pureté et la distance.
5. Les Ménines, de Diego Velázquez
La robe pâle et structurée de l'infante Marguerite la place au centre de la cour d'Espagne. Sa forme rigide, son style formel et la présence des dames d'honneur qui l'entourent montrent comment l'habillement contribuait à marquer les hiérarchies au sein d'une maison royale.
6. La Jeune Fille à la perle, de Johannes Vermeer
Le turban bleu et jaune, le vêtement ample et la perle surdimensionnée font que ce tableau évoque davantage un costume de scène qu’une tenue quotidienne néerlandaise. Le personnage étant une création de l’imagination plutôt qu’un sujet de portrait classique, la mode contribue au mystère et à l’atmosphère de l’œuvre.
7. Madame de Pompadour, par François Boucher
Madame de Pompadour apparaît vêtue d'une robe d'après-midi richement décorée, entourée de livres, de partitions, de dessins et de lettres. Son style rococo incarne la beauté et le raffinement, tandis que le décor nous rappelle que son image reposait également sur la culture, le bon goût et l'influence.
8. Le Jeune Garçon en bleu, de Thomas Gainsborough
Le « Garçon en bleu » regarde délibérément vers l’arrière, vêtu d’une tenue à la Van Dyck inspirée des portraits aristocratiques du XVIIe siècle. Le satin bleu, le col en dentelle et les manches fendues montrent comment un costume historique peut redevenir à la mode lorsqu’il est associé à l’élégance et à la noblesse.
9. La balançoire, de Jean-Honoré Fragonard
La robe rose du tableau The Swing joue un rôle central dans l’œuvre, capturant le mouvement de la jeune femme au moment où elle enlève sa chaussure. Son tissu souple, sa jupe relevée et le décor de jardin reflètent l’engouement de la mode rococo pour la séduction, la décoration et le luxe enjoué.
10. Marie-Antoinette en chemise, par Élisabeth Vigée Le Brun
La robe ample en mousseline blanche de Marie-Antoinette semblait décontractée, mais elle fit sensation lors de sa présentation en 1783. Elle paraissait trop décontractée, trop proche d’un sous-vêtement, et trop éloignée de l’image fastueuse, tout en soie, que l’on attendait d’une reine de France.
11. Portrait de Madame Récamier par Jacques-Louis David
La robe blanche de Madame Récamier, avec sa taille haute, ses manches courtes et ses drapés souples, reflète la mode néoclassique du début du XIXe siècle. Après les styles de cour plus lourds du siècle précédent, ce look semblait plus léger, plus épuré et plus imprégné des influences de la Grèce et de la Rome antiques.
12. Madame Moitessier, de Jean-Auguste-Dominique Ingres
La robe en soie à motifs floraux de Madame Moitessier, avec ses épaules dénudées, ses bijoux et sa jupe évasée, incarne à la perfection la mode mondaine des années 1850. Ce portrait dépeint une femme consciente du pouvoir que lui confèrent ses tissus somptueux, sa posture raffinée et un intérieur aménagé pour mettre en valeur sa présence.
13. La Japonaise, de Claude Monet
Camille Monet, vêtue d’un costume japonais rouge, se tient devant un mur de ventilateurs, illustrant ainsi la fascination de l’Europe du XIXe siècle pour le design japonais. Ce tableau est magnifique, mais il montre aussi comment les tendances de la mode peuvent se propager à travers les emprunts culturels et les rapports de force inégaux.
14. Rue de Paris ; Jour de pluie, de Gustave Caillebotte
Cette scène pluvieuse à Paris illustre la mode urbaine de la fin du XIXe siècle, où manteaux, chapeaux, voiles et parapluies étaient monnaie courante dans toutes les couches de la société. Le couple au premier plan semble soigné mais réservé, et s'est manifestement habillé en fonction de ce temps maussade.
15. Le Déjeuner des canotiers, de Pierre-Auguste Renoir
Le déjeuner au bord de la Seine de Renoir regorge de chapeaux de paille, de robes légères, de vestes, de chemises et de tenues décontractées. Ces vêtements dégagent une atmosphère conviviale et décontractée, présentant une mode loin des salles d’audience et des salons, plus proche des amis, de la bonne chère, du soleil et d’une journée au bord de la Seine.
16. Madame X, de John Singer Sargent
La robe noire de « Madame X » est devenue célèbre en partie parce qu’à l’origine, l’une des bretelles avait glissé de l’épaule du modèle. La coupe ajustée, les bretelles ornées de bijoux, la peau pâle et la pose froide conféraient à ce portrait un caractère audacieux en 1884, à une époque où l’apparence des femmes faisait l’objet de jugements sévères.
17. Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, de Gustav Klimt
Le portrait d’Adele Bloch-Bauer transforme ses vêtements en une toile d’or, de motifs et de reflets. Son visage et ses mains restent nets, tandis que le reste de son corps se fond dans le décor, le luxe et la beauté superficielle de la Vienne du début du XXe siècle.
18. Autoportrait dans la Bugatti verte, de Tamara de Lempicka
Tamara de Lempicka se présente coiffée d'un casque, vêtue de gants et d'une écharpe, au volant d'une voiture racée, incarnant à la perfection la femme Art déco moderne. Sa tenue évoque la vitesse, la richesse, l'indépendance et la maîtrise de soi, même si la Bugatti verte faisait partie intégrante de l'image qu'elle se forgeait d'elle-même.
19. « American Gothic » de Grant Wood
La salopette et la veste du fermier, associées au tablier et à la robe à col montant de la femme, créent un ensemble sobre et désuet. Leurs vêtements reflètent l’identité rurale, la mémoire familiale et une sorte de gravité réservée qui confère au tableau son caractère si austère.
20. Autoportrait aux cheveux courts, de Frida Kahlo
Le costume ample pour homme et la coupe courte de Frida Kahlo marquent une rupture nette avec les robes tehuanas et les fleurs qu’elle arborait souvent dans ses autoportraits. Réalisée après son divorce d’avec Diego Rivera, cette œuvre utilise la mode pour exprimer la douleur, l’autonomie et le refus.